Por isso, o papel comunicador da arte está em constante evolução, como também é altamente influenciado pela cultura, pelos acontecimentos, políticos, históricos e econômicos. Contudo, existe uma linha clara que separa a influência e a inspiração, com o conceito de plágio. Nesse sentindo, a apropriação cultural não está vinculada a ideia de plágio, mas também não representa uma influência cultural direta, mas uma representação de poder como apresentaremos nesse artigo.

A relação com o marketing na cultura pop

Da mesma maneira que os elementos culturais mais famosos de cada década servem como uma ferramenta de marketing, a apropriação cultural indevida também. Ou seja, o direito de um autor pode ser diluído com o tempo em identidades coletivas. Porém, dando origem a tradições que se originaram em relações de poder e que reafirmam esse vínculo.

Desse modo, muitos protestos que denunciam essa ideia, ocorrem ao redor do planeta. Por exemplo, a utilização do turbante na cultura ocidental como um acessório de moda ou as famosas tatuagens tribais da polinésia.

O que é a apropriação cultural?

Portanto, a apropriação cultural ocorre quando existe a absorção de instrumentos, imagens, símbolos que se originam de uma outra cultura. Sendo assim, as ideias divergem quando surge a pergunta: em este caso estamos falando de apropriação cultural ou se trata de uma homenagem a outra cultura.

Desta maneira, se analisamos com maior profundidade este conceito vemos que a ideia também engloba a presença de dinâmicas de poder. Isto é, uma cultura dominante absorve elementos de culturas que foram sistematicamente oprimidas.

Por essa razão o conceito de apropriação cultural está cada vez mais presente nos debates relacionados ao assunto. De fato a globalização e os avances tecnológicos aproximaram ainda mais as culturas e sociedades de todo o mundo. Entretanto para entender a diferença entre apropriação e homenagem existem alguns pontos chaves determinantes.

Sendo assim, as características principais analisadas seriam: o consentimento cultural e a divisão de benefícios. Ou seja, na apropriação, especialmente no âmbito musical, o interesse econômico é o principal determinante.

Em suma, a problemática surge pela apropriação cultural que designa a exploração por parte das indústrias culturais de determinados símbolos exóticos. Porém, sem que essa exploração reconheça a cultura originária de forma econômica ou simbólica.

Apropriação cultural ou assimilação cultural?

Decerto, a apropriação cultural funciona muita vezes como uma maneira de reafirmar as relações de poder de uma cultura sobre outra. Assim, com origem na história ela é constantemente experimentada, mesmo que sem saber, pelas dinâmicas de poder e relações culturais internacionais.

Em primeiro lugar é fundamental entender que os grupos sociais marginalizados não tem pode suficientes para decidir e escolher manter os costumes tradicionais ou não. Por isso, a assimilação cultural ocorre quando essas pessoas adotam elementos da cultura dominante para sobreviver.

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Nesse sentido, as atividades artísticas estimulam a aprendizagem de outras matérias como a leitura ou as matemáticas. Desse modo tem um papel fundamental no desenvolvimento da percepção, da motricidade e da interação social. Por isso, que ademais de utilizar a arte como veículo de expressão para as crianças, ela se torna uma incrível ferramenta de expressão.

A música como fonte de inspiração para o desenvolvimento infantil

Em algumas instituições de ensino, a música foi introduzida no currículo pedagógico em idades pré-escolares pela sua importância no desenvolvimento cognitivo. Por exemplo, no âmbito intelectual, auditivo, sensorial, da articulação motora e da linguagem.

A linguagem musical pode ser considerada como um idioma e saber utilizá-la será uma grande vantagem já que estamos falando de um idioma universal. Desse modo, devido à complexidade da aprendizagem dessa linguagem, as crianças desenvolvem uma maior plasticidade na hora de aprender outros idiomas.

O desenvolvimento infantil e a literatura

De acordo como os psicopedagogos especializados, a estimulação da leitura na infância criará um hábito de leitura que dificilmente se adquire na fase adulta. Em outras palavras, o desejo pela leitura se consolida quando é estimulado na infância.

Isto é, a leitura infantil compone uma das atividades mais enriquecedoras para uma criança. Ela desenvolve as capacidades cognitiva como a memória, a linguagem, a criatividade e a concentração. Sendo assim, os livros permitem que as crianças imaginem um mundo maravilhoso e cheio de diversão. Por isso que a leitura na infância se torna um forma de entretenimento que pode se estender até fase adulta.

O desenho e a pintura

Além da música o desenho e a pintura são duas atividades artísticas que facilitam e permitem que as crianças progressem em muitos aspectos. Em outras palavras permitem que as crianças desenvolvam a psicomotricidade fina, como a escrita, a leitura, a criatividade.

Portanto, essas disciplinas são uma excelente ferramenta para expressar os sentimentos, emoções e sensações. Logo, contribuem para o processo de madurez emocional, na consolidação da personalidade e em muitos aspectos relacionados a saúde mental.

Como a expressão corporal auxilia no processo do desenvolvimento infantil?

Através do movimento e da expressão corporal, as crianças potenciam e favorecem o seu desenvolvimento físico. Ou seja, ela influência diretamente no crescimento saudável do corpo, na segurança e na autodescoberta. Como também no mantenimento da flexibilidade e no reflexo natural para se mover, pular e girar.

Outro fator está relacionado a inteligência emocional já que a expressão corporal estimula o autoconhecimento físico e também o emocional e intelectual. Em suma, a expressão corporal não poderia ser considerada por si só como um tipo de arte, já que proporciona benefícios importantes muito mais abrangentes.

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Nesse sentido, Frida Kahlo foi uma dessas figuras revolucionárias que trouxe ao mundo uma maneira peculiar e autêntica de expressar o que pensa. Talvez as desgraças que ocorreram na vida dessa jovem mexicana foram o estopim para a sua forma de expressão aguçada do mundo ao se redor.

Quem foi Frida Kahlo

De acordo com os relatos de quem a conheceu, definem Frida como uma mulher autêntica e peculiar, cujo o nome evocava imagens do surrealismo mexicano. Ela nasceu no dia 6 de julho de 1907 no seio de uma família de artistas. Embora ninguém poderia imaginar que Kahlo acabaria se convertendo em uma das pintoras mais famosas da história do México e além mais das suas fronteiras.

Ademais de nascer em uma família de artistas a sua vida está marcada por um terrível acidente que deixou sequelas físicas graves. Entretanto também mudou a perspectiva da artista sobre o significado da vida, sobre a arte, também as tradições do seu país. Ou seja, de certa maneira deu significado as suas obras e maneira de pensar.

O acidente que mudou a sua vida

Talvez a sua maneira de encarar a realidade da vida fosse parte da sua peculiar personalidade. Porém até os 18 anos Frida não tinha demonstrado nenhum interesse pelo mundo da arte. De fato estava mais interessada em algum tipo de esporte que melhorasse a sua saúde depois de sobreviver a poliomelite que sofreu quando era criança.

Então, tudo mudou drasticamente depois de sofrer um terrível acidente automobilístico. Nele ela teve a coluna vertebral fraturada em 3 partes, ademais das costelas, também teve a clavícula e três ossos pélvicos fraturados. Desse modo, surgiu o entendimento mais profundo de Frida Kahlo em relação a vida. Assim sendo, depois de questionada por que pintava autorretratos ela disse: “Eu me retrato nas minhas obras por que passo muito tempo sozinha e porque sou o motivo que melhor conheço”.

Influência Política e vida amorosa de Frida Kahlo

A partir de 1927 a pintura de Frida ganhou formas e ideias muito mais complexas que refletia a ambiguidade entre as suas ansiedades, alegrias e sua constante ideia autodestrutiva. Desse modo, a dicotomia entre seus sonhos maternais e a realidade da sua condição acabaram moldando ainda mais o caráter de Kahlo.

Portanto, a pintora mexicana, símbolo do feminismo contemporâneo, começou a frequentar ambientes políticos, artísticos e intelectuais. Assim sendo, foi através de Germán de Campo que Frida conheceu Tina Modotti e começou a frequentar as reuniões políticas do Partido Comunista do México.

Uma vida de contemplação e autodescoberta

Provavelmente em vários artigos que retratam sobre a vida de Frida Kahlo será possível perceber que a pintora teve uma trajetória bastante complicada. Desde a poliomelite na infância, até o acidente e a relação amorosa turbulenta com Diego Rivieira. Nesse sentido olhamos para Frida Kahlo com uma certa empatia, porém, mesmo com todas as tragédias de sua vida Frida sempre amou a vida.

Por esse motivo, suas obras nos conecta e transmitem todos os sentimentos de maneira real e direta. Desse modo, da mesma maneira que Dalí, Frida criou seu próprio personagem com sua forma de vestir e atuar. Em suma, apesar de todos os obstáculos propostos para a sua vida. Também pela ânsia pelas liberdades que foram minadas pelos seus graves problemas físicos podem ser resumidos na sua frase: “Para que quero ter pés se tenho asas para voar.”

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De fato as culturas contemporâneas estão cada vez mais fundidas, o que caracteriza ainda mais os efeitos da globalização. Em outras palavras, muitos estilos de vida que antes não se tinha muita informação, agora fazem parte de culturas ocidentais que regem a vida econômica de muitas nações. Neste sentido, esse artigo tem a intenção de trazer uma reflexão sobre o papel desse fenômeno na vida do homem, a diversidade cultural e a tecnologia que diminui fronteiras.

Cultura, o fundamento da sociedade humana

De certa forma a cultura se define por um conjunto de padrões, costumes, formas estéticas e comportamentais de um grupo social. Dessa maneira, ela diz respeito a como nos relacionamos com os outros e como essas maneiras e formas são transmitidas de geração em geração.

Assim sendo, ela pode consite em um fenômeno social, econômico e político que está em constante movimento. Ou seja, adaptando-se a novas formas de se relacionar ou as novas ideias que surgem a cada momento. Embora ainda assim em cada parte do planeta a sociedade e cultura se desenvolvem independentemente.

Os principais tipos de cultura classificados

Como mencionado anteriormente a cultura consiste em um termo difícil de definir. Com o passar dos anos a cultura foi redefinida de tantas formas que praticamente todo tipo de comportamento poderá ser definido como cultura. Assim sendo, na linguagem popular se entende como os códigos de um grupo social.

Ademais para poder defini-la em parâmetros científicos, foi levado em consideração alguns fatores, como: o conhecimento da escrita, o modo de produção, a crença religiosa, a ordem socieconômica, o contexto histórico e muitas outras características.

A cultura popular

De acordo com a ordem socieconômica a cultura popular compreende-se pelo conjunto de códigos, símbolos, valores, costumes, expressões artísticas que correspondem aos setores populares de uma sociedade. Decerto, através dela é possível extrair fragmentos filosóficos importantes, que com o passar dos anos recebe uma ressignificação de acordo com o contexto histórico da época.

Em outras palavras, o dito popular: “Quem tem boca vai a Roma” anteriormente significava que quem pode falar pode também produzir críticas ao Império Romano. Porém, hoje foi ressignificado e significa que quem se sente livre para se expressar, pode chegar a ir a Roma.

Oriente e ocidente

Da mesma forma que a ela é determinada em menor escala para definir uma organização social, ela também alcança uma escala muito maior. Neste caso o mundo também se distingue por dois polos de poder cultural em termos geopolíticos: ocidente e oriente.

Com efeito a cultura ocidental possui um componente eurocêntrico e americano. Assim sendo, ela é a cultura desenvolvida no hemisfério ocidental com sistemas politico majoritariamente capitalistas. Já a ideia da cultura oriental não representa algo concretamente homogêneo, senão como uma contracultura aos ideais capitalistas e todas as suas filosofias.

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A intenção de Mitch Gobel é fazer com que as pessoas se expressem sexualmente e comemorem o amor.

Transmita sentimentos de uma maneira diferente

“Foi sempre difícil para mim me sentir confortável expressando-me como este sexualmente. Confiança lentamente construída com relacionamentos mais estáveis ​​e percebi o poder que tinha na minha mente e através das minhas palavras na cama.

Princípios semelhantes aplicam-se à minha arte. Como artista em uma indústria tão competitiva, como você apresenta e fala sobre seu trabalho é tão importante quanto a própria arte. Eu tive que aprender a ficar confortável tomando não só o que o meu trabalho significava para mim, mas ainda maior do que isso – minha ambição.

Sendo confiante em usar minhas palavras e confiar em meus instintos, é o que eu devo muito do meu sucesso. No estúdio e na cama.”

“A música foi colocada para que ela não soubesse onde eu estava no quarto. Ela sentou-se completamente quieto, esperando. Eu agarrei suavemente ambas as bochechas com minhas mãos e guiei a ponta da minha língua lentamente sobre o lábio superior . Como eu fiz, senti que ela soltou uma respiração pesada e aguda e então eu deslizei minha língua dentro de sua boca. Como a hipnose, colocou o resto do nosso mundo em espera, nossas duas mentes completamente em sintonia com esse momento … Então Eu me afastei e a fiz esperar, antes de começar com o brinquedo de penas … Eu a rodeei, respirando suavemente em partes diferentes de seu corpo e provocando-a com sutis, as penas da pena – começando em torno de seu pescoço e lentamente trabalhando para baixo para na parte inferior do estômago. Então parei e recomeçei de seus pés, subindo as pernas.

Quando cheguei a meio caminho até a coxa, deixei cair a pena e lentamente passei a língua até o topo de suas pernas – eu podia senti-la tensada com cada centímetro, eu me aproximei Eu fiz uma pausa, então fiquei com firmeza na minha língua por cima dela roupa íntima. Ela já estava molhada … A maior mudança para mim na cama, é saber que ela não está apenas ligada, mas absolutamente amorosa! – completamente no momento.”

Como seus seguidores não só não se queixam, mas também admiram uma visão particular da vida e do sexo, tudo parece indicar que as pessoas encarregadas do Instagram se renderão à evidência e não censurarão o erotismo desse casal.

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O setor de escala e ritmo do galeria tornou-se cancerígeno

Por “cancerosa”, eu não quero apenas dizer genericamente perigoso, nem mesmo ameaçar a vida. Eu especificamente quero dizer que o diagnóstico se aplica porque o número de transações, os preços envolvidos e a velocidade em que ocorrem foram acelerados para um nível insustentável, a forma como a reprodução celular anormal não controlada produz tumores malignos.

O sino de alarme sobre este assunto tocou imediatamente, enquanto a abertura do orador principal Daniel Templon nos acompanhou de volta aos seus mais de 50 anos no comando da atual temática Galerie Templon.

Quando perguntado sobre seus primeiros colecionadores consistentes, Templon admitiu que ele não poderia nomeá-los porque eram todos “nobodys” – médicos, advogados e dentistas que de outra forma eram executados, mesmo dentro de seus respectivos campos. Seus equivalentes de hoje seriam irremediavelmente superados por milionários e bilionários. E enquanto Templon observou que o acidente econômico de 1990 reduziu-o a vender apenas cerca de 14 obras por ano até o mercado se recuperar, suas vendas médias no período rosado antes do acidente só compunham cerca de 40 peças por ano. Isso é cerca de um bom mês para um associado de vendas de mega-gallery em 2018.

Na verdade, Templon prosseguiu argumentando que os compradores agora têm tanto dinheiro que o mercado de arte – um termo que ele e seus colegas “não falaram” quando a galeria foi fundada em 1966 – “absorve tudo”, incluindo obras de medíocres artistas. Mas os colecionadores dificilmente são a única fonte do problema, de acordo com outros falantes. A diretora de arte, Lisa Schiff, declarou em um painel posterior que ela considera uma parte fundamental do seu papel “para proteger [seus] colecionadores” das voraz equipes de vendas implantadas por grandes galerias, o que, segundo ela, tem mais intenção de exceder uma cota mensal do que colocar pensativamente trabalhos convincentes no contexto certo.

A galerista de longa data, Ursula Krinzinger, colocou parte da culpa dos próprios jovens galeristas – ou mais precisamente, em suas expectativas irrealistas de sucesso. Com base em sua experiência, ela disse que nenhuma galerista deveria planejar lucrar antes de celebrar uma década completa nos negócios. No entanto, em sua opinião, muitos de seus colegas mais jovens agora “querem ser milionários dentro de três anos” de abrir suas portas. Este horizonte de tempo apertado leva a um nível de ataque, a primeira agressão que só distorce o mercado.

Diferentes níveis de galerias com diferentes regras

Embora esse assunto tenha surgido o maior no painel intitulado “Que futuro para o mercado de arte no nível médio?”, Ele lançou uma sombra de algum tamanho sobre a sessão após a sessão durante o simpósio de dois dias. No meio da discussão acima mencionada, Jean-Claude Freymond-Guth, cuja galeria homônima de nível médio fechou no ano passado, implorou que seus colegas deixassem de modelar seus próprios negócios menores após conquistadores da mega-galeria. Em vez disso, ele recomendou que “redefinam [seu] programa e trabalhem dentro dele”.

Em outras palavras, não ouça a Kanye, que uma vez bateu que você deveria “atirar para as estrelas / causar se você cair / você pousará em uma nuvem”. Muitos especialistas sugeriram – geralmente com base na experiência passada – que se a galerista média tenta imitar os líderes do setor através da proliferação de uma frota de espaços permanentes, exibindo em todas as feiras de arte e, geralmente, comportando-se como se nunca existisse, o desastre provavelmente aguarda. Muito melhor para tomar um conselho do jovem Michael Jackson e começar com o homem (ou mulher) no espelho. Pelo menos, enquanto essa avaliação envolver honestidade brutal sobre os objetivos, pontos fortes e limitações de alguém.

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Kandinsky passou à história da arte, principalmente, por ser um dos pioneiros da abstração, mas, na sua obra, há também uma pintura figurativa. No curso, também será destacado a importância da música ao longo de sua vida e de criação, e aprofundar-se na sua participação dentro da Bauhaus e O cavaleiro azul.

Um museu para conhecer o artista russo

Na primeira aula, denominada ” Introdução à vida e obra de Kandinsky. A abstração’, ser revisto a biografia de Vassily Kandinsky, desde sua juventude em suas viagens pela Europa e a conquista da abstração.

Na ‘Alemanha’, a segunda lição, incidindo sobre o país que o artista fez sua primeira exposição individual, foi professor da Bauhaus, criou “O cavaleiro azul” junto com Franz Marc e conheceu seu parceiro Gabriele Münter.

O terceiro workshop, denominado ‘França’ –país onde permaneceu até sua morte–, detalhará a atração que exerciam sobre Kandisnky o fauvismo e o cubismo, que mudaram radicalmente a sua forma de pintar, asimilándolos até o ponto de chegar a abstração. Para ele, seus precursores são Cézanne, Matisse e Picasso.

Kandinsky e a música

Na última sessão, a ser revisto ‘, Kandinsky e a música’. Como Goethe e do Romantismo, o artista russo achava que a música chegasse diretamente à alma, estabelecendo um paralelismo entre as notas musicais e as cores.

Araújo é licenciado em História da Arte e Mestre em Museologia e Museus. Continuou a sua formação na Cátedra do Museu do Prado e possui estudos de pós-graduação na Universidade de Granada, na Universidade La Sapienza de Roma e da Tate Modern de Londres. Todos os cursos são de entrada livre até completar a capacidade do auditório do centro da cidade, segundo informou a câmara Municipal de Málaga, em um comunicado.

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Uma obra lendária

O quadro apresenta três figuras imperfeitas, com a carne decomposta e afastadas imaginário estético habitualmente associado à dança feminina. Cedido pela Tate de Londres, As três bailarinas é uma das estrelas de uma exposição com notáveis empréstimos de instituições como o Museu Picasso de Paris (com 20 peças), o MoMA e o Metropolitan de Nova York ou Paris. Clark se elogiava ontem pela “generosidade desses museus e coleções particulares”, bem como pelo envolvimento dos herdeiros, sublinhada com a presença de Bernard-Ruiz Picasso na inauguração. Uns e outros têm feito o possível para reforçar a nova tese. Uma construção que se afasta dos tópicos sobre o caixa e prefere não abundar na relação entre o mural e o fato que o originou: o bombardeio da vila de biscayne pelo Exército alemão em 26 de abril de 1937, que tão apressadamente reagiu Picasso (caixa foi entregue no dia 4 de junho). Não há concessões para as leituras excessivamente biográficas da obra, tão comuns quando se trata de Picasso.

A estrutura da exposição se assemelha ao de uma dessas filmes clássicos construídas com saltos no tempo. Uma maquete do pavilhão português e a burlona força Da dama locador, escultura do málaga, que também expôs em Paris, dão boas-vindas ao visitante com uma bateria documentário sobre as circunstâncias daquela aventura diplomata-artística, em plena Guerra Civil. Na próxima sala domina a gigantesca natureza morta Bandolim e guitarra. Cedida pelo Guggenheim, serviu a Clark para ilustrar a capa de um livro fundamental, Picasso & Truth (Yale University Press, 2013), em que as teses da amostra tomou a forma pela primeira vez. “O Guggenheim nem sequer tem exposto. Não é incrível? Neste ambiente está em seu lugar” ideal”, explicou durante a visita, o respeitado historiador da arte, professor emérito da Universidade de Berkeley, comprometido com uma leitura marxista das vanguardas.

O processo de criação do mural, conta com uma seção dedicada ao desenho, em que tem trabalhado, sobretudo, Anne Wagner para oferecer uma leitura feminista do quadro a partir da representação das mulheres, que aparecem “militarizadas”. Entre esboços preparatórios, alguém tão embrionário como o famoso Sonho e mentira de Franco, de janeiro de 1937, aparecem surpresas como A morte de Marat, um violentísimo Retrato da marquesa de bunda cristão com um rígido para os soldados mouros defensores da virgem (1937) ou a obsessão de Picasso por um truculento assassinato da época, as irmãs Papin, que inspirou Jean Genet sua obra As empregadas domésticas.

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Companheiro de Andy Warhol e Roy Lichtenstein

Sempre lhe ficou a admiração por “o caráter prático, artesão desses pintores andando em suas couraças, sem fazer nenhum tipo de alarde de sua arte, mas simplesmente fazendo o seu trabalho”. Quando falava de sua paleta de cores dizia “meu alfabeto cromático vinho de espaguete franco-americanos e o burbon de Kentucky”, mas quando chegou a Nova York, em 1955, após alguns anos dedicado aos cartazes das lojas de doces de Brooklyn, entrou de cheio no epicentro dos artistas do momento: compartilhou salas de aula com George Grosz, estudo com Agnes Martin, frequentava o Cedar Tavern em Greenwich Village, como William de Koonig e era vizinho de Robert Montana e Jasper Jones. Quando ia para Hollywood, ficava com Dennis Hopper. Assim, em 1962, a galeria Green Gallery lhe dedicou a sua primeira exposição a solo, e vendeu todos os quadros.

Suas pinturas e suas colagens tinham sempre um toque assustador. Seu trabalho, provavelmente, o mais famoso, F-111, de 1965, esteve, além disso, carregado de mensagem política antimilitarista, pois era uma colagem com um avião em plena Guerra Fria, uma menina com um brilhante secador de cabelo, espaguete, uma bomba atômica e um pneu de carro. Tinha pintado após visitar seu amigo Eugene Rukhin, em São Petersburgo (então união soviética). “Entendi que essa gente (os russos) nunca ia começar uma guerra com nós (…) Quando vi uma foto desse novo bombardeiro F-111 que não havia atirado e ainda, eu pensei: ‘Uma perda de tempo e de dinheiro'”, explica em 2012, em uma palestra no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), instituição que tem em sua coleção permanente este quadro, que foi o maior já leiloadas, quando foi vendida em 1986.

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Apenas 32% declaram manter relações xnxx estáveis com galerias, e apenas 3% consideram que é satisfatória, e a sua única fonte de renda. O problema do artista português é a falta de colecionadores que apostem pelo investimento em arte. Esta situação revela-se a cada ano em ARCO, onde, desde 1984, os galeristas lamentam a falta de vendas. A feira, que se inaugura no próximo dia 22, é um “miragem perigosa” que mostra apenas um reflexo deformado de uma “moda de segunda mão”, como escreveu Antonio Saura, em um artigo demolidor. “Arco somente poderia existir se a dinâmica cultural e econômica do país o permitir”, escreveu o pintor.

Trabalho precário

Por isso não estranha que, na análise dos dados que se apresentam agora se descubra que são os artistas, “com a sua atividade e suas contribuições indiretas, os maiores mecenas da actividade artística em Portugal”. Outro aspecto importante deste estudo é que permite identificar um perfil de artista jovem, aberto às novas tecnologias, cuja forma de se relacionar com o mercado nos últimos anos, é muito diferente.

A pesquisa também traz luz sobre a influência do gênero na situação econômica dos criadores, a trajetória formativa dos artistas, o grau de precariedade de suas receitas, bem como o grau de desemprego. Esta aproximação à realidade do trabalho dos artistas plásticos espanhóis coincide com a tramitação do Estatuto do artista no Congresso dos Deputados, cuja aprovação visam melhorar a situação de desigualdade do setor cultural em relação aos outros.

Para alguns artistas, o seu objetivo é o de ser “escolhido” e usam parte do seu tempo pensando em como entrar na rede do sistema da arte. Para outros, o objetivo é mudar a forma de operar da arte que não tem benefício público é corrupto.” Também espera Jana Leo teve seis euros para desenvolver sua proposta, que foi destinada a um projeto pensado em três minutos, a proporção temporal de 120 euros/hora, o que lhe dá a categoria de “artista profissional com 25 anos de experiência, com um mestrado em estética, doutorado em filosofia e mestre em arquitetura formada em Princeton”. Três minutos que se completarão em uma manifestação no próximo mês de maio.

Muita ironia

Esse lado irônico e brincalhão é comum a muitas das obras que integram esta exposição. É o caso do coletivo de madrid Miranda & Miron, que introduziram seus 6 euros em uma piñata-mealheiro, disponível para qualquer espectador da exposição. Isso sim, cada tentativa de quebrá-lo, vale um euro. Ou de Obras antibeca, rejeitadas, não executados, sem catálogo e ilegítimas, de Alejandra Valero, uma peça que questiona os certames de arte, como a única fórmula de apoio aos jovens artistas. Tão pungente é a proposta de Nuria Güell, que aluga o espaço que lhe foi concedido com o objetivo de cobrir as suas despesas básicas durante o mês que dura a exposição, com um custo de 5.49 €/dia, o que vale uma dieta básica em Espanha, ou a instalação de Todo o sólido se desvanece no ar, de Angela Quadra, frase construída com moedas de um cêntimo de euro na parede.

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