Nesse sentido, as atividades artísticas estimulam a aprendizagem de outras matérias como a leitura ou as matemáticas. Desse modo tem um papel fundamental no desenvolvimento da percepção, da motricidade e da interação social. Por isso, que ademais de utilizar a arte como veículo de expressão para as crianças, ela se torna uma incrível ferramenta de expressão.

A música como fonte de inspiração para o desenvolvimento infantil

Em algumas instituições de ensino, a música foi introduzida no currículo pedagógico em idades pré-escolares pela sua importância no desenvolvimento cognitivo. Por exemplo, no âmbito intelectual, auditivo, sensorial, da articulação motora e da linguagem.

A linguagem musical pode ser considerada como um idioma e saber utilizá-la será uma grande vantagem já que estamos falando de um idioma universal. Desse modo, devido à complexidade da aprendizagem dessa linguagem, as crianças desenvolvem uma maior plasticidade na hora de aprender outros idiomas.

O desenvolvimento infantil e a literatura

De acordo como os psicopedagogos especializados, a estimulação da leitura na infância criará um hábito de leitura que dificilmente se adquire na fase adulta. Em outras palavras, o desejo pela leitura se consolida quando é estimulado na infância.

Isto é, a leitura infantil compone uma das atividades mais enriquecedoras para uma criança. Ela desenvolve as capacidades cognitiva como a memória, a linguagem, a criatividade e a concentração. Sendo assim, os livros permitem que as crianças imaginem um mundo maravilhoso e cheio de diversão. Por isso que a leitura na infância se torna um forma de entretenimento que pode se estender até fase adulta.

O desenho e a pintura

Além da música o desenho e a pintura são duas atividades artísticas que facilitam e permitem que as crianças progressem em muitos aspectos. Em outras palavras permitem que as crianças desenvolvam a psicomotricidade fina, como a escrita, a leitura, a criatividade.

Portanto, essas disciplinas são uma excelente ferramenta para expressar os sentimentos, emoções e sensações. Logo, contribuem para o processo de madurez emocional, na consolidação da personalidade e em muitos aspectos relacionados a saúde mental.

Como a expressão corporal auxilia no processo do desenvolvimento infantil?

Através do movimento e da expressão corporal, as crianças potenciam e favorecem o seu desenvolvimento físico. Ou seja, ela influência diretamente no crescimento saudável do corpo, na segurança e na autodescoberta. Como também no mantenimento da flexibilidade e no reflexo natural para se mover, pular e girar.

Outro fator está relacionado a inteligência emocional já que a expressão corporal estimula o autoconhecimento físico e também o emocional e intelectual. Em suma, a expressão corporal não poderia ser considerada por si só como um tipo de arte, já que proporciona benefícios importantes muito mais abrangentes.

O conteúdo Qual a importância da arte no desenvolvimento infantil? aparece primeiro em Vitor.

A intenção de Mitch Gobel é fazer com que as pessoas se expressem sexualmente e comemorem o amor.

Transmita sentimentos de uma maneira diferente

“Foi sempre difícil para mim me sentir confortável expressando-me como este sexualmente. Confiança lentamente construída com relacionamentos mais estáveis ​​e percebi o poder que tinha na minha mente e através das minhas palavras na cama.

Princípios semelhantes aplicam-se à minha arte. Como artista em uma indústria tão competitiva, como você apresenta e fala sobre seu trabalho é tão importante quanto a própria arte. Eu tive que aprender a ficar confortável tomando não só o que o meu trabalho significava para mim, mas ainda maior do que isso – minha ambição.

Sendo confiante em usar minhas palavras e confiar em meus instintos, é o que eu devo muito do meu sucesso. No estúdio e na cama.”

“A música foi colocada para que ela não soubesse onde eu estava no quarto. Ela sentou-se completamente quieto, esperando. Eu agarrei suavemente ambas as bochechas com minhas mãos e guiei a ponta da minha língua lentamente sobre o lábio superior . Como eu fiz, senti que ela soltou uma respiração pesada e aguda e então eu deslizei minha língua dentro de sua boca. Como a hipnose, colocou o resto do nosso mundo em espera, nossas duas mentes completamente em sintonia com esse momento … Então Eu me afastei e a fiz esperar, antes de começar com o brinquedo de penas … Eu a rodeei, respirando suavemente em partes diferentes de seu corpo e provocando-a com sutis, as penas da pena – começando em torno de seu pescoço e lentamente trabalhando para baixo para na parte inferior do estômago. Então parei e recomeçei de seus pés, subindo as pernas.

Quando cheguei a meio caminho até a coxa, deixei cair a pena e lentamente passei a língua até o topo de suas pernas – eu podia senti-la tensada com cada centímetro, eu me aproximei Eu fiz uma pausa, então fiquei com firmeza na minha língua por cima dela roupa íntima. Ela já estava molhada … A maior mudança para mim na cama, é saber que ela não está apenas ligada, mas absolutamente amorosa! – completamente no momento.”

Como seus seguidores não só não se queixam, mas também admiram uma visão particular da vida e do sexo, tudo parece indicar que as pessoas encarregadas do Instagram se renderão à evidência e não censurarão o erotismo desse casal.

O conteúdo Converta o sexo na arte nas redes sociais aparece primeiro em Vitor.

O setor de escala e ritmo do galeria tornou-se cancerígeno

Por “cancerosa”, eu não quero apenas dizer genericamente perigoso, nem mesmo ameaçar a vida. Eu especificamente quero dizer que o diagnóstico se aplica porque o número de transações, os preços envolvidos e a velocidade em que ocorrem foram acelerados para um nível insustentável, a forma como a reprodução celular anormal não controlada produz tumores malignos.

O sino de alarme sobre este assunto tocou imediatamente, enquanto a abertura do orador principal Daniel Templon nos acompanhou de volta aos seus mais de 50 anos no comando da atual temática Galerie Templon.

Quando perguntado sobre seus primeiros colecionadores consistentes, Templon admitiu que ele não poderia nomeá-los porque eram todos “nobodys” – médicos, advogados e dentistas que de outra forma eram executados, mesmo dentro de seus respectivos campos. Seus equivalentes de hoje seriam irremediavelmente superados por milionários e bilionários. E enquanto Templon observou que o acidente econômico de 1990 reduziu-o a vender apenas cerca de 14 obras por ano até o mercado se recuperar, suas vendas médias no período rosado antes do acidente só compunham cerca de 40 peças por ano. Isso é cerca de um bom mês para um associado de vendas de mega-gallery em 2018.

Na verdade, Templon prosseguiu argumentando que os compradores agora têm tanto dinheiro que o mercado de arte – um termo que ele e seus colegas “não falaram” quando a galeria foi fundada em 1966 – “absorve tudo”, incluindo obras de medíocres artistas. Mas os colecionadores dificilmente são a única fonte do problema, de acordo com outros falantes. A diretora de arte, Lisa Schiff, declarou em um painel posterior que ela considera uma parte fundamental do seu papel “para proteger [seus] colecionadores” das voraz equipes de vendas implantadas por grandes galerias, o que, segundo ela, tem mais intenção de exceder uma cota mensal do que colocar pensativamente trabalhos convincentes no contexto certo.

A galerista de longa data, Ursula Krinzinger, colocou parte da culpa dos próprios jovens galeristas – ou mais precisamente, em suas expectativas irrealistas de sucesso. Com base em sua experiência, ela disse que nenhuma galerista deveria planejar lucrar antes de celebrar uma década completa nos negócios. No entanto, em sua opinião, muitos de seus colegas mais jovens agora “querem ser milionários dentro de três anos” de abrir suas portas. Este horizonte de tempo apertado leva a um nível de ataque, a primeira agressão que só distorce o mercado.

Diferentes níveis de galerias com diferentes regras

Embora esse assunto tenha surgido o maior no painel intitulado “Que futuro para o mercado de arte no nível médio?”, Ele lançou uma sombra de algum tamanho sobre a sessão após a sessão durante o simpósio de dois dias. No meio da discussão acima mencionada, Jean-Claude Freymond-Guth, cuja galeria homônima de nível médio fechou no ano passado, implorou que seus colegas deixassem de modelar seus próprios negócios menores após conquistadores da mega-galeria. Em vez disso, ele recomendou que “redefinam [seu] programa e trabalhem dentro dele”.

Em outras palavras, não ouça a Kanye, que uma vez bateu que você deveria “atirar para as estrelas / causar se você cair / você pousará em uma nuvem”. Muitos especialistas sugeriram – geralmente com base na experiência passada – que se a galerista média tenta imitar os líderes do setor através da proliferação de uma frota de espaços permanentes, exibindo em todas as feiras de arte e, geralmente, comportando-se como se nunca existisse, o desastre provavelmente aguarda. Muito melhor para tomar um conselho do jovem Michael Jackson e começar com o homem (ou mulher) no espelho. Pelo menos, enquanto essa avaliação envolver honestidade brutal sobre os objetivos, pontos fortes e limitações de alguém.

O conteúdo Tendências a serem consideradas por galerias de arte aparece primeiro em Vitor.

Kandinsky passou à história da arte, principalmente, por ser um dos pioneiros da abstração, mas, na sua obra, há também uma pintura figurativa. No curso, também será destacado a importância da música ao longo de sua vida e de criação, e aprofundar-se na sua participação dentro da Bauhaus e O cavaleiro azul.

Um museu para conhecer o artista russo

Na primeira aula, denominada ” Introdução à vida e obra de Kandinsky. A abstração’, ser revisto a biografia de Vassily Kandinsky, desde sua juventude em suas viagens pela Europa e a conquista da abstração.

Na ‘Alemanha’, a segunda lição, incidindo sobre o país que o artista fez sua primeira exposição individual, foi professor da Bauhaus, criou “O cavaleiro azul” junto com Franz Marc e conheceu seu parceiro Gabriele Münter.

O terceiro workshop, denominado ‘França’ –país onde permaneceu até sua morte–, detalhará a atração que exerciam sobre Kandisnky o fauvismo e o cubismo, que mudaram radicalmente a sua forma de pintar, asimilándolos até o ponto de chegar a abstração. Para ele, seus precursores são Cézanne, Matisse e Picasso.

Kandinsky e a música

Na última sessão, a ser revisto ‘, Kandinsky e a música’. Como Goethe e do Romantismo, o artista russo achava que a música chegasse diretamente à alma, estabelecendo um paralelismo entre as notas musicais e as cores.

Araújo é licenciado em História da Arte e Mestre em Museologia e Museus. Continuou a sua formação na Cátedra do Museu do Prado e possui estudos de pós-graduação na Universidade de Granada, na Universidade La Sapienza de Roma e da Tate Modern de Londres. Todos os cursos são de entrada livre até completar a capacidade do auditório do centro da cidade, segundo informou a câmara Municipal de Málaga, em um comunicado.

O conteúdo Ver Kandinsky grátis aparece primeiro em Vitor.

Uma obra lendária

O quadro apresenta três figuras imperfeitas, com a carne decomposta e afastadas imaginário estético habitualmente associado à dança feminina. Cedido pela Tate de Londres, As três bailarinas é uma das estrelas de uma exposição com notáveis empréstimos de instituições como o Museu Picasso de Paris (com 20 peças), o MoMA e o Metropolitan de Nova York ou Paris. Clark se elogiava ontem pela “generosidade desses museus e coleções particulares”, bem como pelo envolvimento dos herdeiros, sublinhada com a presença de Bernard-Ruiz Picasso na inauguração. Uns e outros têm feito o possível para reforçar a nova tese. Uma construção que se afasta dos tópicos sobre o caixa e prefere não abundar na relação entre o mural e o fato que o originou: o bombardeio da vila de biscayne pelo Exército alemão em 26 de abril de 1937, que tão apressadamente reagiu Picasso (caixa foi entregue no dia 4 de junho). Não há concessões para as leituras excessivamente biográficas da obra, tão comuns quando se trata de Picasso.

A estrutura da exposição se assemelha ao de uma dessas filmes clássicos construídas com saltos no tempo. Uma maquete do pavilhão português e a burlona força Da dama locador, escultura do málaga, que também expôs em Paris, dão boas-vindas ao visitante com uma bateria documentário sobre as circunstâncias daquela aventura diplomata-artística, em plena Guerra Civil. Na próxima sala domina a gigantesca natureza morta Bandolim e guitarra. Cedida pelo Guggenheim, serviu a Clark para ilustrar a capa de um livro fundamental, Picasso & Truth (Yale University Press, 2013), em que as teses da amostra tomou a forma pela primeira vez. “O Guggenheim nem sequer tem exposto. Não é incrível? Neste ambiente está em seu lugar” ideal”, explicou durante a visita, o respeitado historiador da arte, professor emérito da Universidade de Berkeley, comprometido com uma leitura marxista das vanguardas.

O processo de criação do mural, conta com uma seção dedicada ao desenho, em que tem trabalhado, sobretudo, Anne Wagner para oferecer uma leitura feminista do quadro a partir da representação das mulheres, que aparecem “militarizadas”. Entre esboços preparatórios, alguém tão embrionário como o famoso Sonho e mentira de Franco, de janeiro de 1937, aparecem surpresas como A morte de Marat, um violentísimo Retrato da marquesa de bunda cristão com um rígido para os soldados mouros defensores da virgem (1937) ou a obsessão de Picasso por um truculento assassinato da época, as irmãs Papin, que inspirou Jean Genet sua obra As empregadas domésticas.

O conteúdo O ‘Guernica’ de Picasso já tem 80 anos aparece primeiro em Vitor.

Companheiro de Andy Warhol e Roy Lichtenstein

Sempre lhe ficou a admiração por “o caráter prático, artesão desses pintores andando em suas couraças, sem fazer nenhum tipo de alarde de sua arte, mas simplesmente fazendo o seu trabalho”. Quando falava de sua paleta de cores dizia “meu alfabeto cromático vinho de espaguete franco-americanos e o burbon de Kentucky”, mas quando chegou a Nova York, em 1955, após alguns anos dedicado aos cartazes das lojas de doces de Brooklyn, entrou de cheio no epicentro dos artistas do momento: compartilhou salas de aula com George Grosz, estudo com Agnes Martin, frequentava o Cedar Tavern em Greenwich Village, como William de Koonig e era vizinho de Robert Montana e Jasper Jones. Quando ia para Hollywood, ficava com Dennis Hopper. Assim, em 1962, a galeria Green Gallery lhe dedicou a sua primeira exposição a solo, e vendeu todos os quadros.

Suas pinturas e suas colagens tinham sempre um toque assustador. Seu trabalho, provavelmente, o mais famoso, F-111, de 1965, esteve, além disso, carregado de mensagem política antimilitarista, pois era uma colagem com um avião em plena Guerra Fria, uma menina com um brilhante secador de cabelo, espaguete, uma bomba atômica e um pneu de carro. Tinha pintado após visitar seu amigo Eugene Rukhin, em São Petersburgo (então união soviética). “Entendi que essa gente (os russos) nunca ia começar uma guerra com nós (…) Quando vi uma foto desse novo bombardeiro F-111 que não havia atirado e ainda, eu pensei: ‘Uma perda de tempo e de dinheiro'”, explica em 2012, em uma palestra no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), instituição que tem em sua coleção permanente este quadro, que foi o maior já leiloadas, quando foi vendida em 1986.

O conteúdo Foi morto James Rosenquist aparece primeiro em Vitor.

Apenas 32% declaram manter relações xnxx estáveis com galerias, e apenas 3% consideram que é satisfatória, e a sua única fonte de renda. O problema do artista português é a falta de colecionadores que apostem pelo investimento em arte. Esta situação revela-se a cada ano em ARCO, onde, desde 1984, os galeristas lamentam a falta de vendas. A feira, que se inaugura no próximo dia 22, é um “miragem perigosa” que mostra apenas um reflexo deformado de uma “moda de segunda mão”, como escreveu Antonio Saura, em um artigo demolidor. “Arco somente poderia existir se a dinâmica cultural e econômica do país o permitir”, escreveu o pintor.

Trabalho precário

Por isso não estranha que, na análise dos dados que se apresentam agora se descubra que são os artistas, “com a sua atividade e suas contribuições indiretas, os maiores mecenas da actividade artística em Portugal”. Outro aspecto importante deste estudo é que permite identificar um perfil de artista jovem, aberto às novas tecnologias, cuja forma de se relacionar com o mercado nos últimos anos, é muito diferente.

A pesquisa também traz luz sobre a influência do gênero na situação econômica dos criadores, a trajetória formativa dos artistas, o grau de precariedade de suas receitas, bem como o grau de desemprego. Esta aproximação à realidade do trabalho dos artistas plásticos espanhóis coincide com a tramitação do Estatuto do artista no Congresso dos Deputados, cuja aprovação visam melhorar a situação de desigualdade do setor cultural em relação aos outros.

Para alguns artistas, o seu objetivo é o de ser “escolhido” e usam parte do seu tempo pensando em como entrar na rede do sistema da arte. Para outros, o objetivo é mudar a forma de operar da arte que não tem benefício público é corrupto.” Também espera Jana Leo teve seis euros para desenvolver sua proposta, que foi destinada a um projeto pensado em três minutos, a proporção temporal de 120 euros/hora, o que lhe dá a categoria de “artista profissional com 25 anos de experiência, com um mestrado em estética, doutorado em filosofia e mestre em arquitetura formada em Princeton”. Três minutos que se completarão em uma manifestação no próximo mês de maio.

Muita ironia

Esse lado irônico e brincalhão é comum a muitas das obras que integram esta exposição. É o caso do coletivo de madrid Miranda & Miron, que introduziram seus 6 euros em uma piñata-mealheiro, disponível para qualquer espectador da exposição. Isso sim, cada tentativa de quebrá-lo, vale um euro. Ou de Obras antibeca, rejeitadas, não executados, sem catálogo e ilegítimas, de Alejandra Valero, uma peça que questiona os certames de arte, como a única fórmula de apoio aos jovens artistas. Tão pungente é a proposta de Nuria Güell, que aluga o espaço que lhe foi concedido com o objetivo de cobrir as suas despesas básicas durante o mês que dura a exposição, com um custo de 5.49 €/dia, o que vale uma dieta básica em Espanha, ou a instalação de Todo o sólido se desvanece no ar, de Angela Quadra, frase construída com moedas de um cêntimo de euro na parede.

O conteúdo Poucos artistas vivem da arte xxx aparece primeiro em Vitor.

As pesquisas a que deu lugar a denúncia, levadas a cabo por uma equipa da Guarda Civil e os Mossos, constataram que várias pessoas instaladas em diferentes províncias atuavam em conluio e aproveitavam seus conhecimentos artísticos para essa atividade.

Uma operação de grandes dimensões

Assim, comprovaram que em Madrid existiam duas oficinas de pintura, onde se realizavam os quadros. Depois de estudar a obra do autor que queriam forjar, realizavam um esboço e, de acordo com a sua complexidade, as enviavam para outro pintor com grandes conhecimentos e capacidade artística para que as acabar. Para dar maior credibilidade ao caixa, emitindo um certificado de autenticidade, também falsificado, onde plasmaban selos originais previamente roubados com o objetivo de avaliar a originalidade das obras.

Falsificaban a assinatura do autor e envejecían a obra com um quadro adequado para a tabuleta, papelão ou lona de aspecto antigo empregado como suporte para a pintura. Não esqueciam que os artistas cujas obras falsificaban haviam criado seus quadros entre meados do século XIX e início do XX, como os citados Santiago Rusiñol e Joaquim Mir ou Ramón Casas, Isidre Nonell e Eliseu Meifren, entre outros.

O conteúdo Rede de falsificadores em Espanha aparece primeiro em Vitor.

A nova coleção permanente contará com um novo percurso museográfico em que vai colocar o foco na didática e em uma maior contextualização da obra dos anos de formação acadêmica, de Picasso, em Barcelona, e seus primeiros anos em Paris, a principal vantagem do relato do museu. No futuro percurso, em que haverá uma sala interativa, mostrará a Picasso ao lado de outros artistas da época, pintores, poetas e amigos que frequentavam Els Quatre Gats, os textos de revistas satíricas e filmes da época, a fim de aproximar o ambiente gótico de finais do século XIX e samba porno. Desta forma, Guigon recupera o projecto de remodelação que começou a trabalhar Pepe Serra, e que ficou truncado, com a sua marcha do museu, se bem que o novo diretor vai fazer o trabalho com o seu critério e da equipe do museu, que viu a última alteração da coleção permanente em 2013.

As melhores obras de Picasso

A primeira das exposições temporárias deste ano de in-passe será a de Picasso. Retrats e abrirá portas no dia 17 de março, com 80 obras que refletem os rostos de Dora Maar, Guillaume Apollinaire, de Jean Cocteau, Jaime Sabartés, Igor Stravinsky e Miguel Utrillo, entre outros. No outono será a vez de uma mostra dedicada à estadia em Barcelona do misterioso personagem Arthur Cravan, um aventureiro, poeta e boxeador que se fazia nomear como sobrinho de Oscar Wilde e que se encontrava no meio dos precursores essenciais do dadaísmo. De forma simultânea, abrirão ao público a exposição O ateliê compartilhado.

Picasso, Vilató, Xavier sobre o gosto pelo gravado através de três gerações de uma mesma família, e também Picasso Barcelona 1917 para comemorar o centenário da última prolongada estadia do artista na capital catalã. Em abril, o museu e a Fundação Palau. Centre d’Art acolherão o terceiro Congresso Internacional Picasso e Identidade, em que participam especialistas de todo o mundo como a diretora adjunta do Museu de Arte Moderna Pompidou de Paris, Brigitte Leal e o chef Ferran Adrià, entre outros.

Em 2018, coincidindo com o 50º aniversário da morte de Jaime Sabartés, verá a luz uma publicação que nasceu com a vocação de revista anual para recolher pensamento e investigação sobre Picasso, e também será publicado um novo catálogo das coleções.

O conteúdo Renovação no Museu Picasso aparece primeiro em Vitor.

O Pompidou abriu o dia 31 de janeiro de 1977, após uma longa e complexa história de desencontros entre políticos, gestores e analistas culturais. Leva o nome do presidente, que o mandou construir, no coração do antigo mercado de abastos de Les Halles, mas que não o veria nascer: ele morreu antes e que o inaugurou seu sucessor Chirac. Acostumados hoje a ver surgir museus e centros de arte mastodónticos, em uma pequena cidade no final dos anos noventa espanhóis ou no Uzbequistão, mais recentemente, pode custar imaginar o que implicou o Pompidou.

Uma estética “diferente”

Ninguém dava um duro por ele, nem em França. Eu trabalhava então na seção cultural do jornal Avui e os colegas fomos convocados ao Instituto Francês para receber a boa nova. Tinha que eliminar suspeitas, a aposta pública francesa era de envergadura econômica e ambição cultural. As críticas, em casa. A sua fachada, obtida a partir de um zigzaguearte tubo transparente que a atravessa inteira e por cujo interior acede às cinco plantas enquanto vê Paris, era considerada uma aberração. “A fábrica de gás” foi o mais bonito que você disse. Logo fez calar os críticos. As nações vieram rápidas, atraídas pelo mecânico e a elevação do piso do terraço, onde esperava um espetáculo urbano que nem o cinema nem a televisão tinham conseguido transmitir ainda. Piano e Rogers forneceram o principal: perder o medo de entrar em um museu. O que cada qual fizesse, em seguida, dentro era uma coisa sua.

A sua aposta se tornou um gênero arquitetônico novo, o centro cultural. Um lugar de encontro, uma biblioteca, um museu de arte moderna com a coleção, salas de exposições temporárias, café, livraria, várias salas de cinema e um grande hall de entrada. E, acima de tudo, uma escultura urbana por si mesma. A partir dele seriam possíveis o Guggenheim bilbaíno ou a Tate Modern, em londres, por dizer só as duas principais vias que também abriu o centro de paris: o museu como franquia internacional, ou não.

Enquanto Tate se segue negando, o Pompidou gostaria de comemorar seus quarenta anos com outra franquia, em Shanghai, em negociação. Em três anos de espera abrir a Bruxelas. As ativou o cumprimento dos trinta, pouco antes da crise. Apesar de Málaga seja de ação cultural duvidosa em seu contexto, dá bons rendimentos ao pai francês. Tem outras em Metz e Abu Dhabi. Em paralelo, e como todos os tipos de objectos do bolo, se “descentralizará” este 2017 em quarenta exposições em França e mais além. O museu de arte moderna é o maior depois que o nova-iorquino, a sua biblioteca pública somou mais de 100.000 leitores e o frequenta entre 3,5 e 3,8 milhões de visitantes anuais.

O conteúdo A singularidade do centro Pompidou aparece primeiro em Vitor.